kurimanzutto se complace en presentar Never Free to Rest, exposición que muestra la obra de seis artistas que usan el lenguaje radical de la abstracción para desestabilizar la subrepresentación negra y los sistemas de control, conjurando nuevas posibilidades de percepción, imaginación y liberación. Las obras de Mark Bradford, Julie Mehretu  y Rodney McMillian señalan una nueva escuela de abstracción norteamericana  que es a la vez conceptual y física, formal e impetuosa. Al cuestionar lo figurativo, las obras de Kara Walker y  Lynette Yiadom-Boakye desafían los sistemas de racialización y la certeza de la representación a través de la pintura pura. En la obra de Charles Gaines, manifiestos y partituras sirven como material para la consideración de sistemas de comunicación, orden y control; superficies trabajadas minuciosamente, documentos históricos alterados y yuxtaposiciones fantásticas, rescatan lo marginal y lo reprimido para asegurar su derecho a ascender en una complejidad visceral y plena.

El título de la exposición, Never Free to Rest, viene de una cita del fallecido escritor y activista afro-americano James Baldwin. El lamento de Baldwin trasciende la derrota y promete resistencia, dedicación y persistencia; y presagia la vigilancia que mantienen estos artistas para proteger su obra, su persona y su derecho a vivir y trabajar en el arte.

Mark Bradford (Los Ángeles, California 1961) estudió Bellas Artes en California y en el Institute of the Arts en Valencia. Bradford transforma materiales recogidos en la calle en instalaciones y collages de gran formato que responden a las redes improvisadas que emergen del interior de la ciudad: economías subterráneas, comunidades migrantes, apropiación popular de espacios públicos abandonados… Bradford ha formado parte de exposiciones importantes en el Hirshhorn Museum y el Sculpture Garden en Washington (2017); Museum of Fine Arts en Boston (2017); Rockbund Art Museum en Shanghai (2015); The Institute of Contemporary Art en Boston (2010); REDCAT, Los Ángeles (2004); Whitney Museum of American Art en Nueva York (2003); y el Studio Museum en Harlem (2001). Representó a Estados Unidos en la 57ª Bienal de Venecia (2017) con Tomorrow is Another Day, y participó en la Sharjah Biennial 12: The past, the present, the possible (2015). En 2006, participó en la 27ª Bienal de São Paulo y la Whitney Biennial en New York. Bradford vive y trabaja en Los Ángeles.

Todas las obras en la exhibición son cortesía del artista y la galería Hauser & Wirth, Nueva York.

Charles Gaines (Charleston, Carolina del Sur, 1944) estudió Bellas Artes en Jersey City State College (1966) y en Rochester Institute of Technology (1967).  Sus fotografías, dibujos y obra en papel investigan de qué forma los métodos basados en reglas crean orden y significado. A través de series de obras progresivas, densas y con múltiples niveles, Gaines explora la interacción entre la objetividad y la interpretación; lo sistemático y lo poético.

En 2013, Gaines recibió la beca de la Fundación John Simon Guggenheim y presentó la exposición individual Notes on Social Justice en la galería Paula Cooper en Nueva York. Su obra forma parte de colecciones en el Hammer Museum y el Museum of Contemporary Art en Los Ángeles, así como en el Whitney Museum of American Art y el Museum of Modern Art en Nueva York, entre otros. Ha participado en la Sharjah Biennial 12: The past, the present, the possible en los Emiratos Árabes Unidos (2015); All the World’s Futures en la 56a Bienal de Venecia (2015); La Biennale de Montréal (2014) en Canadá; y la 56a Bienal de Venecia (2007). Gaines ha publicado varios ensayos de arte contemporáneo como Theater of Refusal: Black Art and Mainstream Criticism (University of California, Irvine, 1993) y The New Cosmopolitanism (California State University, Fullerton, 2008). Vive en Los Ángeles y desde 1989 es profesor de tiempo completo en la escuela de arte de California Institute of the Arts.

Todas las obras en la exhibición son cortesía del artista y la galería Paula Cooper, Nueva York.

Rodney McMillian (Columbia, Carolina del Sur, 1969) estudió Bellas Artes en el Art Institute de Chicago (1998) y en California Institute of the Arts en Valencia (2002). Su trabajo artístico incorpora una amplia variedad de soportes y técnicas. Uno de los intereses dominantes de su obra es la relación entre lenguaje, estética y contenido. La obra de McMillian cuestiona temas de clase e identidad, género y sexualidad, a la vez que propone relaciones entre el espacio exterior e interior. McMillian ha expuesto individualmente en el Art Institute de Chicago (2017); MoMA PS1 en Nueva York (2016); Aspen Art Museum en Colorado (2015); Institute of Contemporary Art en Pensilvania (2016); Institute of Contemporary Art en Boston (2015); y Susanne Vielmetter Los Angeles Projects (2013). Su trabajo ha sido incluido en la Sharjah Biennial 12: The past, the present, the possible en los Emiratos Árabes Unidos (2015); en 2008 en Whitney Biennial en Nueva York; y en 2008 California Biennial en Newport Beach. McMillian vive y trabaja en Los Ángeles.

Todas las obras en la exhibición son cortesía del artista y la galería Susanne Vielmetter,  Los Ángeles.

Julie Mehretu (Adís Abeba, Etiopía, 1970) estudió en la universidad Cheikh Anta Diop en Dakar (1990–91), en Kalamazoo College en Michigan (1992) y en Rhode Island School of Design (1997). Sus pinturas y dibujos hacen referencia a elementos de topografía y arquitectura con una complejidad caligráfica que se asemeja a atmósferas turbulentas y densas redes sociales. Representaciones arquitectónicas y vistas aéreas de tejidos urbanos aparecen en la obra de Mehretu como fragmentos, perdiendo su especificidad práctica y desafiando así lecturas culturales y geográficas reduccionistas. La obra de Mehretu conversa con la historia del arte abstracto, del constructivismo al futurismo, planteando cuestionamientos contemporáneos sobre la relación entre impulsos utópicos y abstracción.

Entre los reconocimientos de Julie Mehretu se encuentran: el Berlin Prize Fellowship (2007) de la American Academy en Berlín; una beca de la fundación John D. and Catherine T. MacArthur (2005); y el American Art Award del Whitney Museum of American Art en Nueva York (2005). Su obra ha formado parte de exposiciones importantes en el Museum of Modern Art en Nueva York (2007); Detroit Institute of Arts Museum (2006); Walker Art Center en Minneapolis (2003); y la Albright–Knox Art Gallery en Búfalo (2003), entre otras. Además, ha participado en la Sharjah Biennial 12: The past, the present, the possible (2015); la 15 Bienal de Sidney (2006); 54 Carnegie International (2004); 26 Bienal de São Paulo (2004); Whitney Biennial (2004); y la 8 International Istanbul Biennial (2003). Julie Mehretu vive y trabaja entre Berlín y Nueva York.

Todas las obras en la exhibición son cortesía de la artista y Marian Goodman Gallery, Nueva York, Londres, París.

Kara Walker (Stockton, California, 1969) estudió Bellas Artes en Atlanta College of Art (1991) y en Rhode Island School of Design (1994). La obra de Walker es conocida por explorar la intersección primaria entre raza, género y sexualidad a través de sus icónicas siluetas. A caballo entre la realidad histórica de la esclavitud y el universo fantástico de la novela romántica, las ficciones de Walker logran a un tiempo seducir e implicar al espectador.

La exhibición más reconocida de Walker, Kara Walker: My Complement, My Enemy, My Oppressor, My Love, fue organizada por el Walker Art Center en Minneapolis en 2007 y más tarde presentada en el Musée d’Art moderne de la Ville de Paris, en el Whitney Museum of American Art en Nueva York, el Hammer Museum en Los Ángeles y en el Modern Art Museum of Fort Worth en Texas. Su obra ha sido expuesta en el Museum of Modern Art y The Guggenheim Museum en Nueva York y el San Francisco Museum of Modern Art entre otros. Kara Walker representó a Estados Unidos en la 25 Bienal de São Paulo en 2002. En 2012, Walker ingresó a la American Academy of Arts and Letters. Su obra pertenece a importantes colecciones como: Solomon R. Guggenheim Museum, Museum of Modern Art y Metropolitan Museum of Art en Nueva York, así como la Tate Gallery en Londres. Walker vive y trabaja en Nueva York, es profesora en artes visuales de Mason Gross School del Arts en  Rutgers University en Nueva Jersey.

Todas las obras en la exhibición son cortesía de la artista y la galería Sikkema Jenkins & Co, Nueva York.

Lynette Yiadom-Boakye (Londres, 1977) estudió en Central Saint Martins College of Art and Design (1997), Falmouth College of Arts (2000) y Royal Academy Schools (2003). En sus pinturas, Yiadom-Boakye combina imágenes de recortes, dibujos y su propia imaginación en composiciones con figuras humanas. Su obra se concentra tanto en la historia de la pintura y las cualidades materiales del óleo en el lienzo, como en el contenido temático.

Yiadom-Boakye ha tenido distintas exposiciones individuales en el New Museum of Contemporary Art en New York (2017); Kunsthalle en Basilea, Suiza (2016–2017); Haus der Kunst en Múnich (2015); y Serpentine Gallery en Londres (2015). Su obra forma parte de colecciones institucionales como Tate, Victoria and Albert Museum, y el Arts Council Collection en Londres; Pérez Art Museum Miami; Museum of Contemporary Art Chicago; Museum of Modern Art en Nueva York; y San Francisco Museum of Modern Art. En años recientes ha participado en la Sharjah Biennial 12: The past, the present, the possible en los Emiratos Árabes Unidos (2015); The Encyclopedic Palace en la 55a Bienal de Venecia (2013); The Ungovernables: the 2012 New Museum Triennial en Nueva York (2012) y la 11 Bienniale de Lyon (2012). Yiadom-Boakye vive y trabaja en Londres.

Lynette Yiadom-Boakye es representada por la galería Jack Shainman, Nueva York.